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Linda Connor, “Maui”, 1978, impresión en plata, 9,5 x 7,5 pulgadas Imágenes cortesía de los artistas/Museo de Artes Fotográficas de Maine
«Géneros de pintura tradicional en fotografía» en el Museo de Artes Fotográficas de Maine (hasta el 31 de enero) es una muestra típicamente sobresaliente (la directora Denise Froelich suscribe la teoría de «más es más»). Aún así, vale la pena desviarse en un raro recorrido por Middle Street de Portland.
La tesis de la exposición es cómo los artistas fotográficos abordan el diverso e interminable tema del paisaje y el paisaje marino, el retrato, la naturaleza muerta, los interiores y el collage. Al principio, debo admitir, pensé que era un poco flojo, porque la razón por la que estos temas son infinitos en primer lugar es porque los artistas, independientemente de sus medios (incluida la fotografía), siempre toman de su entorno y de sus propias ideas sobre la persona física. Belleza y representación.
De hecho, con pocas excepciones, la mayor parte del arte trata inherentemente de cómo sus creadores perciben su entorno físico, la forma humana y, en el caso del collage, los medios idiosincrásicos de diferentes estímulos (todos estos temas, más los medios, la cultura, la publicidad, etc.). . .) combinan en imágenes sus pensamientos y procesos creativos. ¿Qué podría ser nuevo? Sólo elijo criticar el arte que tiene algún mérito creativo, así que considere esta reseña como una confirmación de que me sorprendió gratamente lo que encontré.
Los «géneros tradicionales» tienen, a falta de un término mejor, sus tradicionalistas. Entre ellos en la categoría de paisaje/paisaje marino se encuentran Morley Baer (un protegido de Edward Weston), Ansel Adams, Alan Ross y John Sexton (quienes colaboraron con Adams), Linda Connor y Michael A. Smith. Todos estos artistas produjeron y, con la excepción de Baer y Adams, continúan produciendo paisajes románticos y marinos analógicos en blanco y negro, en su mayoría grabados en plata.
El fallecido fotógrafo inglés Fay Godwin también puede considerarse un tradicionalista en términos de metodología, pero dota a su trabajo en el paisaje de evidencias de la presencia humana como una forma de comentar el impacto humano de éste, surgido de su propia ideología socialista y ambientalista. creencias. El trabajo de todos estos fotógrafos en la muestra es elegantemente formalista y descaradamente hermoso por la forma en que registra los fenómenos naturales de la luz, la niebla, el viento, el sol, las nubes, el oleaje y más.
Luego está el trabajo visual que es tradicionalista en metodología pero no en contenido, o que es completamente contemporáneo en términos de tecnología y efecto. Anteriormente, dos celebridades del programa MMPA fueron Cole Caswell y Eugene Cole. Ambos utilizaron placas de vidrio antiguas y el proceso de colodión húmedo del siglo XIX, donde las placas debían cubrirse, exponerse y revelarse en cuestión de minutos (básicamente el tiempo que tardaba en secarse el colodión). Se requiere un cuarto oscuro portátil cuando se trabaja en la naturaleza.
El trabajo de Caswell, como el de Godwin, se ocupa del medio ambiente y de la capacidad del hombre para sobrevivir en él. Su instalación «Drifter Portfolio», una cuadrícula de 30 impresiones de 8 por 10 pulgadas, consta de imágenes de los ríos de Estados Unidos. Registra, casi de forma abstracta, los efectos de la luz sobre el agua. Estos son, fundamentalmente, reflejos de dos elementos naturales esenciales para la vida humana, que están en riesgo por las vidas mismas que sustentan (es decir, las consecuencias de nuestro comportamiento que conducen a corrientes tóxicas, -calentamiento global, clima extremo e inundaciones, etc.) . La implicación, por supuesto, es que estamos deletreando nuestra propia perdición. La yuxtaposición de una belleza misteriosa con la perspectiva de extinción les da una cualidad poética inquietante.
Eugene Cole, «Study of Echinacea 1», 1/1, 2023, ambrotipo, 20 x 24 pulgadas (una flor)
Las obras de Cole son placas negativas llamadas ambrotipos (ambro significa «inmortal») respaldadas por plexiglás negro para que la imagen parezca positiva dependiendo de dónde estemos y de qué tan directamente incida la luz. Cole escribió: «Mi trabajo tiene como objetivo iluminar la convergencia del arte, la historia, la ciencia y la naturaleza, invitando a los espectadores a contemplar el hilo que une el proceso y el tema».
De hecho, exploró una tecnología que reemplazó a los daguerrotipos en el siglo XIX (ciencia e historia), enfocando su lente en flores, árboles y maleza (naturaleza), para crear imágenes que son obras de arte fascinantes e inspiradoras. Dejaré que los espectadores descubran sus conexiones, pero algunos posibles puntos de partida son el surgimiento simultáneo de la fragilidad y la fuerza en la naturaleza, la presencia del tiempo definido por el método que utilizó para capturar imágenes, y el cambio y la contradicción. en nuestra percepción.
Dave Wade, portafolio «SS #6, From Time Signature», 1/5, 2020, impresión por inyección de tinta, 24 x 36 pulgadas
En la última categoría, tenemos a Dave Wade y Caroline Savage, quienes utilizan tecnologías modernas para percibir el paisaje como un fenómeno en constante evolución, que cambia constantemente con el tiempo. Wade se ve a sí mismo como un «testigo» pasivo de estos procedimientos. Su captura de impresiones de arena de playa con inyección de tinta se siente como si estuviéramos observando el aire en tiempo real mientras talla esta sustancia arenosa, metafóricamente a menudo llamada los granos del tiempo, en formas y patrones.
El salvaje no es pasivo. Fotografía los bosques de Maine en movimiento (caminando, corriendo, tomando fotografías) capturando lo efímero de la luz y la forma, al tiempo que transmite una sensación de energía viva y espíritu de los árboles, las rocas y la hierba.
Claire Seidl, “Cena en el porche a la luz de las velas”, 2023, impresión plateada, 36 x 36 pulgadas
Y así pasa a diferentes géneros. En el campo interior, nuevos experimentos con impresión de gran formato (cuadrados de 36 pulgadas) dan un efecto transformador al trabajo de las familiares y melancólicas fotografías de habitaciones ocupadas de Claire Seidl, a personas que sólo pueden ser reconocidas como borrosas. Tienen una cualidad fantasmal e inefable que está a mundos de distancia de los interiores de Berenice Abbott y Eugene Atget en el caso cercano.
La naturaleza muerta es un elemento fuerte de este espectáculo. Entre mis obras favoritas de este género se encuentran las enormes impresiones en platino y paladio de Tillman Crane, que presentan una flor (y una inusual cabeza de semilla devorada por insectos) en todo su esplendor gráfico. Lynn Karlin monumentos maravillosamente los hongos fotografiándolos literalmente sobre pedestales. Y al colorear a mano impresiones de archivo de tomates, rábanos, grosellas y otros productos, Marcy Juran hace que sus imágenes parezcan casi bodegones del Renacimiento holandés.
Carol Eisenberg ofrece sus características imágenes manipuladas digitalmente en papel metálico que, al igual que las impresiones de inyección de tinta de John Woodruff en la pared opuesta, son obras completamente contemporáneas que encarnan la vida y el collage.
Ian Trask, «El ataque del Espíritu Santo», 2022, collage de diapositivas de 35 mm en visor de diapositivas antiguo con estante, 7 x 7 pulgadas
Las ofertas más caprichosas y excéntricas pertenecen a Ian Trask, quien crea esculturas de pared utilizando visores de diapositivas antiguos en los que inserta diapositivas pegadas con cinta adhesiva. Las imágenes resultantes son divertidas y extrañas. Mi favorito es «El ataque del Espíritu Santo», que combina una escena en la ladera de una iglesia italiana con lo que parece ser una especie de flor de allium flotando sobre ella. El estante en el que se encuentra está respaldado por una lente a través de la cual Trask da la apariencia de unas 45 pequeñas caras extraterrestres. Al igual que Woodruff y Eisenberg, también abarca, con un irónico sentido del humor, varios géneros, en este caso el paisaje, el collage y la escultura.
Jorge S. Arango escribe sobre arte, diseño y arquitectura desde hace más de 35 años. Vive en Portland. Se le puede contactar en: jorge@jsarano.com
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