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Los curadores de la muestra, Conor Moynihan y Matthew Kluk, lo saben muy bien y tienen en mente algo más específico con el título. Aquí, la performatividad es una estilización de la presentación, a menudo para fines más amplios (ideológicos, temáticos, incluso históricos del arte). Una buena cantidad de las aproximadamente 50 imágenes se califican como transgresoras: aquellas las caras son en su cara — pateando la performatividad a toda marcha.
El autorretrato más antiguo, de 1930, es una colaboración de fotomontaje entre Claude Cahun y Marcel Moore. Los más recientes son un par de autorretratos de Jess T. Dugan de 2020 y 2021. La mayor parte proviene de los años 70, 80, 90 y este siglo.
Sobre el Cahun/Moore cuelga un autorretrato de Cindy Sherman de 1975 realizado en homenaje a Cahun. La imagen es doblemente notable, Sherman forjó hace mucho tiempo una carrera vital e influyente basada en autorretratos altamente performativos —»disfrazado» podría ser tan preciso como «performativo»— y este es desde el comienzo mismo de esa carrera. Es una de un conjunto de semillas que condujo a una arboleda de árboles salvajemente diferenciados.
Está en la naturaleza de los autorretratos ser directos, colocando la identidad al frente y al centro. Varios ejemplos aquí son muy oblicuos. Las fotografías de Ray Metzker, Erik Gould y Barbara Norfleet no son retratos per se. En cambio, cada uno incluye la sombra del fotógrafo dentro de una fotografía sobre otra cosa. Norfleet, quien además de su propia fotografía hizo mucho como curadora para promover el medio en Harvard en los años 70, 80 y 90, cumplió 97 años en febrero. Que ella florezca por mucho tiempo.
El color del título en la serie “Red Room at Five” de Renée Stout domina tanto las imágenes que eso es lo que se representa. El rojo transmite la temperatura emocional del artista, un autorretrato más elocuente que cualquier detalle de la apariencia física. O para un tipo diferente de oblicuidad, hay un paisaje urbano de Providence de Harry Callahan, con su reflejo fácil de perder visible en una ventana de visualización en el fondo.
Otra forma de indirecta es emplear la historia del arte. La imagen desnuda de John O’Reilly vista desde atrás en un espejo comparte «Large Studio 10-6-86» con pinturas de Velázquez y Picasso, así como una maravillosa variedad de formas de escultor, animales disecados y lo que parecería ser un gran Estatuilla de Óscar. Se ve desde atrás: su parte inferior desnuda repica con la de O’Reilly.
«Hands Out Self-Portrait» de John Kelly es como un Egon Schiele que cobra vida, o una impresión de inyección de tinta, según sea el caso. Dos de los cuatro autorretratos de Slava Mogutin lo muestran en cuero, lo que recuerda la obra de Robert Mapplethorpe. Da la casualidad de que hay un Mapplethorpe en el programa, aunque no tiene nada de provocativo. El fotógrafo mira fijamente a la cámara con tanta inocencia que podría ser un ángel que deambula por una foto policial.
Los tres autorretratos de Francesca Woodman no hacen referencia a la historia del arte. Sin embargo, evocan el surrealismo en la forma en que juegan con la apariencia, brindan yuxtaposiciones inesperadas y muestran la especificidad inexplicable de los sueños. Woodman, que todavía no tenía 23 años, se suicidó en 1981. Incluso sin saber ese terrible hecho, el espectador no puede dejar de notar lo inquietantes que son estas imágenes, con su sentido de lo evanescente y de otro mundo.
La fotografía y la pintura interactúan con un efecto sorprendente en «I Learned About Race Today» de Andre Bradley y en «Brothers (slaughter I)» de Yasumasa Morimura. Bradley ofrece un deslumbrante derrame de pintura negra sobre madera. Solo en una inspección más cercana, el espectador nota una pequeña fotocopia de la foto del anuario de Bradley, en lo alto en medio de la oscuridad. En cuanto a Morimura, toma como punto de partida uno de los cuadros más famosos del canon, «El tres de mayo» de Goya. El giro es que Morimura sustituye su propio rostro fotografiado por el del hombre de blanco ejecutado en el centro de la obra. El resultado es a la vez muy sombrío, la severidad diluida por la familiaridad histórico-artística, y muy divertido.
Otros casos de ingenio son bastante raros. Tal vez el yo sea un tema demasiado serio para tomarlo a la ligera, especialmente cuando el yo en cuestión es el tuyo. El título de “El área de Manhattan entre los lugares donde ha vivido Sol LeWitt” de Sol LeWitt! 115 E. 34th St., 185 Ave. C, Calle Montgomery 42 y 117 Hester St.” es hilarantemente autoexplicativo, además de indicar cuán poco convencional es como una visión del artista. No convencional de una manera muy diferente es el uso que hace Ann Hamilton de su boca como una cámara estenopeica. El resultado es una visión de sí misma muy cercana y muy personal.
EL AUTORRETRATO PERFORMATIVO
En el Museo RISD, 20 N. Main St., Providence, hasta el 1 de noviembre. 5. 401-454-6500, www.risdmuseum.org
Se puede contactar a Mark Feeney en mark.feeney@globe.com.
