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Hoy en día, la fotografía es comúnmente aceptada como un arte. Pero durante gran parte del siglo XIX, la fotografía no era sólo un ciudadano de segunda clase en el mundo del arte, sino que era un paria.
La fotografía fue inventada en la década de 1820 y aunque permaneció como una tecnología incipiente en las décadas posteriores, muchos artistas y críticos de arte todavía la veían como una amenaza, como la artista Henrietta Clopath expresó en una edición de 1901 de Brush and Pencil
El Museo Victoria & Albert de Londres se convirtió en el primer museo que celebró una exposición de fotografía en 1858, pero los museos de los Estados Unidos tardaron un tiempo en recuperarse. El Museo de Bellas Artes de Boston, una de las primeras instituciones americanas en coleccionar fotografías, no lo hizo hasta 1924.
Cuando los críticos no se retorcían las manos por la fotografía, se burlaban de ella. Veían la fotografía simplemente como un mecanismo irreflexivo de replicación, que carecía de «ese sentimiento refinado y el sentimiento que anima las producciones de un hombre de genio», como se expresó en un número de 1855 de The Crayon. Mientras «la invención y el sentimiento constituyan cualidades esenciales en una obra de arte», el escritor argumentó, «la fotografía nunca puede asumir un rango superior al del grabado».
La fotografía no podía calificarse como un arte en sí misma, la explicación era que carecía de «algo más allá de un mero mecanismo en el fondo de la misma»
En el mejor de los casos, los críticos consideraron la fotografía como una herramienta útil para que los pintores graben escenas que luego puedan representar con sus pinceles de forma más artística. «Se puede aprender mucho sobre el dibujo con referencia a una buena fotografía, que incluso un hombre de rápidas percepciones naturales sería lento para aprender sin esa ayuda», escribió uno en un número de 1865 de The New Path. Pero la apreciación del escritor terminó ahí. La fotografía no podía calificarse como un arte en sí misma, según la explicación, porque carecía de «algo más allá de un mero mecanismo en el fondo».
Algunos, como el fotógrafo de paisajes John Moran, sin embargo, se opusieron a esta idea. «Esta negativa a clasificar la fotografía entre las bellas artes, considero que es en cierta medida infundada, ya que su objetivo y fin es uno en común con el arte. Habla el mismo lenguaje y se dirige a los mismos sentimientos», escribió en un número de marzo de 1865 de The Philadelphia Photographer. Aunque no pudo escapar totalmente a los estigmas de su tiempo, declaró que la fotografía nunca podría «reclamar el homenaje de las formas superiores de arte» porque «en la producción real de la obra, el artista cesa y las leyes de la naturaleza toman su lugar», articuló un importante argumento a favor de la fotografía como forma de expresión creativa:
Los ejercicios de las facultades artísticas son indudablemente necesarios en la producción de cuadros de la naturaleza, ya que cualquier escena dada ofrece tantos puntos de vista diferentes; pero si no hay una mente perceptiva para notar y sentir los grados relativos de importancia en los diversos aspectos que presenta la naturaleza, no se puede producir nada digno del nombre de cuadros. Es este conocimiento, o arte de ver, el que da valor e importancia a las obras de ciertos fotógrafos por encima de todos los demás.
El argumento central de Moran, que «hay cientos de personas que hacen, químicamente, fotografías impecables, pero pocos hacen fotografías» sigue siendo cierto hoy en día. Pocos hacen ya fotos con productos químicos, pero miles de millones hacen fotografías legibles con el clic de un botón. Aún así, como fue el caso hace 150 años, el arte está en el ojo, no en el dispositivo.
