Lecciones de vida y arte de Yoko Ono

La clara categorización que hace Yoko Ono de un movimiento artístico específico sería perjudicial para su vida y su práctica artística. La amplitud de la obra del artista de 90 años adopta ahora muchas formas: compone música y poesía, utiliza su arte y su fama como vehículo de protesta, se arroja a merced de extraños en Cortar la pieza, publicó por su cuenta un libro de pinturas instructivas y revisó irrevocablemente arte conceptual en la década de 1960. Esta impresionante y variada obra incluso llevó al crítico de arte Jonathan Jones a proclamar: «¿Existe algún estilo de arte contemporáneo en el que Yoko Ono no haya sido pionero?».

A pesar de esto, la contribución artística de Ono en el siglo XX se ha visto ensombrecida por su relación con John Lennon y por supuestamente «romper a los Beatles». Una acusación desagradable que, de alguna manera, seguía siendo motivo de controversia décadas después. Sin embargo, en las últimas dos décadas, las instituciones de arte, como el Museo de Arte Moderno de San Francisco en 2002 y la Serpentine Gallery en 2012, Recontextualiza cuidadosamente su obra, separada de Lennon en toda ella. En cambio, se centra en cómo su arte aborda las ideas de liberación, los horrores de la guerra y la violencia contra las mujeres a través de su estética de vanguardia. Este enfoque de su trabajo sustenta una próxima retrospectiva de su práctica artística en la Tate Modern. en Londres apodado Yoko Ono: Música de la mente.

La exposición intenta cubrir la prolífica carrera de siete décadas de Yoko Ono, presentando más de 200 obras que abarcan fotografía, piezas educativas y música. «El trabajo de Yoko Ono tiene esta increíble capacidad de cambiar la forma en que vemos el mundo, y su importancia no puede subestimarse», explicó el curador asistente Andrew de Brún en una conversación con Dazed. «Una de las cosas que esperamos que la gente se lleve del programa es el llamado de Ono al recuerdo y un sentido de esperanza a pesar de los tiempos difíciles».

Para celebrar la inauguración de esta importante exposición del arte de Ono, recordamos algunos momentos de su vida y obra.

Un comando simple, como «Enciende una cerilla y observa cómo se apaga» en pedazo de luz (1955), contiene la mayoría de las primeras obras de Yoko Ono. El joven artista pasó a formar parte de Fluxus, un movimiento artístico que buscaba alterar la idea de las bellas artes, principalmente desafiando la relación entre el arte y el espectador. Estas marcas de eventos, más tarde llamadas «pinturas de instrucción», se desarrollaron después de que se mudó de Japón a Nueva York en 1953 para estudiar en Sarah Lawrence e invitó al público a crear las obras de imaginación y participación.

El libro de arte autoeditado de Ono Pomelo (1964), a menudo descrito como un pilar del arte conceptual en la década de 1960, encarnó estas pautas simples y sentó las bases para gran parte de su trabajo en ese momento. Con instrucciones como «Dejar un trozo de lienzo o pintura terminada en el suelo o en la calle» en la partitura. Dibujo pisoteado (1960) o «Escuchar el sonido de la tierra girando» en pedazo de tierra (1963), se anima al público de Ono a interpretar las piezas desde su propia perspectiva y «completarlas» en el momento.

En una pieza escénica que se volvería icónica, Ono invitó al público a participar. Cortar la pieza (1964). Sentados inmóviles en el escenario, el público recibió instrucciones de cortar piezas de su ropa y cargarlas. En la documentación en video de archivo de la performance, se puede ver a la artista sometiendo su cuerpo a extraños mientras muestran diferentes niveles de brutalidad en la forma en que cortan piezas de ropa de su cuerpo y, al final, se convierten en parte de la obra de arte. Si bien a menudo se la considera una obra de arte feminista, historiadoras del arte como Julia Bryan-Wilson dicen que la obra se aplica de manera más amplia al impacto de la guerra en hombres y mujeres como intérpretes de una Cortar la pieza no ligado al género. A través de este trabajo, sondea a la audiencia para explorar temas de poder y agencia a través de la intersección entre su propio cuerpo físico y los efectos de la violencia.

A mediados de la década de 1960, Ono desarrolló un gran interés por el cine. Esto la llevó a producir cortometrajes de vanguardia que definieron el género, particularmente a través del uso de la toma singular para alterar las viejas ideas sobre la sexualidad y el cuerpo femenino. En la película de Ono de 1966 bajo, estos cuerpos se convierten en paisajes y la forma humana se disuelve en la abstracción. La imagen, completamente en blanco y negro, muestra muchos traseros desnudos en forma de primeros planos sobre un fondo duro. Fue fuertemente censurado en Londres y confiscado por la aduana cuando se trajo a Estados Unidos. Con una banda sonora compuesta por entrevistas a personas que están de espaldas a la pantalla y sus opiniones sobre el proyecto, Ono comienza a revelar cuál es la opinión del público sobre el proyecto y bajo puede incluir.

En otras películas como LIBERTAD (1970), en la que la actriz se filma durante un minuto intentando quitarse el sujetador, y Volar (1970), basado en la instrucción «Deja que una mosca recorra el cuerpo de una mujer desde los pies hasta la cabeza y salga volando por la ventana», Ono continúa capturando la realidad mixta, sin adornos y sin adornos, a través de su incesante repetición. Sus películas piden a los espectadores que enfrenten su propia ansiedad y reconsideren nociones de vulnerabilidad, intimidad, libertad y belleza.

Mostrada por primera vez en 1967 en la Lisson Gallery de Londres, la enigmática instalación de Ono La mitad de la habitación (1967) confronta al espectador con una presencia ausente, con el vacío que deja lo que se fue más que con la solidez de lo que queda. Impulsada por un día de la década de 1960, cuando el novio de Ono, Anthony Cox, desapareció de su apartamento en Londres, cortó una habitación limpia en dos para representar la ausencia de su «otra mitad». La obra, una representación física de la habitación con todo, desde las sillas hasta la tetera, cortado por la mitad. ofrece una mirada inquietante a la naturaleza fragmentada de la existencia y la condición humana. A través de esta alteración espacial y la creación de objetos materiales que se muestran «inútiles» a través de su apariencia, Ono captura acertadamente el caos existencial y caótico del duelo. Como la mayor parte de su trabajo, La mitad de la habitación es una reflexión sobre la conexión y la pertenencia humana.

En las dos semanas de Yoko Ono Cama por la paz (1969) en Montreal y luego en Ámsterdam, lo mundano se convirtió en una plataforma para la expresión radical y una cama se transformó en un lugar de protesta y disensión. Impulsados ​​por la problemática infancia de Ono, debido a la intervención estadounidense en Japón en la Segunda Guerra Mundial y al deseo de desafiar el ataque de violencia causado por la guerra estadounidense en Vietnam, Ono y John Lennon se retiraron al santuario de su habitación de hotel e invitaron a la prensa. a su suite de luna de miel para responder preguntas sobre la guerra y documentar sus interacciones para la película. Paz en la camaque fue subido a Youtube en 2012 con el mensaje: “LA GUERRA HA TERMINADO si la queremos. Depende de nosotros y de nadie más». Aquí, utiliza su vulnerabilidad compartida y el poder de su fama como una de las parejas más famosas del mundo como herramienta para el cambio social.

Aunque este acto de resistencia puede no haber producido cambios materiales, sigue siendo profundamente personal y profundamente político, un testimonio del poder de la intimidad y la solidaridad frente a la injusticia. A través de esta manifestación noviolenta, Ono nos invita a repensar los límites del activismo y el potencial de la acción transformadora incluso en los espacios más inesperados.

Las obras de arte de Ono, especialmente sus últimas piezas, están imbuidas de un profundo deseo de paz mundial. Este sentimiento se puede ver en obras como «Helmets (Pieces of Sky)» de 2001, que reutilizaron cascos de la Segunda Guerra Mundial decorados con imágenes azules del cielo en forma de rompecabezas. Acompañada de instrucciones que instan a los espectadores a «obtener un pedazo de cielo» y «saber que todos somos parte unos de otros», la obra de arte de Ono sirve como un conmovedor recordatorio de la universalidad de las emociones humanas y de cómo todos estamos conectados como uno solo.

En otro proyecto, «Añadir color (barco de refugiados)”- Concebido en 2016 como respuesta a la crisis del desplazamiento masivo, Ono invita a los visitantes a escribir, pintar y dibujar un bote de remos blanco y el escenario que lo rodea. En última instancia, la práctica artística más amplia de Ono fomenta un sentido de comunidad, pero, sobre todo, sirve como un recordatorio eficaz del actual desplazamiento catastrófico de personas de sus países de origen debido a la intervención imperial en Estados Unidos y Gran Bretaña.

Yoko Ono: Música de la mente se exhibirá en la Tate Modern del 15 de febrero al 1 de septiembre de 2024.