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Las primeras décadas del siglo XX fueron uno de los periodos más fructíferos de la producción artística de la era moderna, especialmente para el todavía incipiente arte de la fotografía. En Nueva York, justo después del cambio de siglo, un pequeño círculo de visionarios de la fotografía giraba en torno a la magnética figura de Alfred Stieglitz (1864-1946), cuya influencia como artista, mecenas y galerista galvanizó esta comunidad tan unida.
Como galerista, Stieglitz fue el primero en mostrar la vanguardia europea en América: Matisse, Rodin, Picasso y Brancusi fueron expuestos en su Galería 291, y las ondas de su energía artística se extendieron por todo el continente.
Stieglitz también fue una figura central tanto en la Photo-Secession -un movimiento de principios del siglo XX conocido por sus obras de estilo pictorialista- como, más tarde, en el desarrollo del arte fotográfico según las líneas modernistas.
Los fotógrafos y artistas que fueron influenciados por Stieglitz en los primeros tiempos serán familiares para cualquier estudiante del periodo: Edward Steichen, Gertrude Käsebier, Alvin Langdon Coburn, Marsden Hartley, Georgia O’Keeffe, John Marin y Arthur Dove.
Darius Himes, director internacional de fotografía de Christie’s, destaca aquí las imágenes clave de los artistas que definieron, atravesaron y dieron forma a la transición de la fotografía del pictorialismo al modernismo, todas ellas ofrecidas en las subastas Modern Visions: Fotografías excepcionales, que se celebrará los días 17 y 18 de febrero en Christie’s Nueva York.
Pictorialista
Stieglitz abogaba por el reconocimiento de la fotografía como una forma de arte y no como una mera herramienta documental. A través de su publicación pionera, 291, había promovido el uso de dispositivos pictóricos que desdibujaban los límites entre la fotografía y las bellas artes. Sin embargo, el Steerage se convirtió en un punto de inflexión en la carrera fotográfica de Stieglitz y posteriormente configuró su enfoque del medio.
Se acabaron los fundamentos del pictorialismo: un sujeto central, un horizonte claro, composiciones escenificadas, enfoques suaves e impresiones con efecto de pluma. En su lugar, The Steerage ofrece una serie de diagonales nítidas que atraviesan enérgicamente la escena aparentemente caótica y convergen en una sorprendente congregación de líneas de formas.
Un siglo después de su creación, The Steerage sigue siendo un icono de la fotografía modernista. Tomada durante un viaje con su esposa Emmeline en 1907, representa un punto de partida crucial en la obra de Stieglitz.
Georgia O’Keeffe, amante de Stieglitz, su musa y una importante artista por derecho propio, fue objeto de un número considerable de sus retratos. Estos estudios constituyen un relato revelador de las múltiples facetas de su relación.
Un tema central es la dimensión erótica de esta relación, evidenciada en imágenes a través de las cuales compartimos la seducción del fotógrafo por el físico seguro de sí mismo de O’Keeffe. Esta imagen sugiere una narrativa enigmática. A contraluz contra una ventana con una suave luz «pictorialista», O’Keeffe sostiene una cuchara tallada que es una pista de un aspecto decididamente modernista de la actividad de Stieglitz, no como artista, sino como defensor más amplio de la vanguardia. La cuchara ritual es un artefacto de la tribu Baulé de Costa de Marfil, y había figurado en la histórica exposición dedicada a la escultura y los objetos rituales de África que Stieglitz organizó en 1914 en su galería 291.
En este contexto, al año siguiente del histórico Armory Show de 1913, que había introducido de forma tan espectacular las ideas de la vanguardia europea en el público estadounidense, Stieglitz presentó a este mismo público la primera exposición de escultura africana centrada en su interés estético más que etnográfico. La influencia de estos artefactos en una generación de artistas de ambos lados del Atlántico fue considerable en un momento en que estaban decididos a romper con las convenciones pictóricas y escultóricas occidentales.
Edward Steichen (1879-1973) era un joven y brillante artista del Medio Oeste. Quince años menor que Stieglitz, conoció al galerista cuando sólo tenía 20 años. En ese encuentro, celebrado en Nueva York en 1900, Stieglitz compró tres obras del joven fotógrafo, entre ellas una impresión en platino de Steichen, The Pool – Evening: A Symphony to a Race and to a Soul, reconocida como una de las primeras obras significativas de Steichen.
La impresión de esta imagen adquirida por Stieglitz fue donada por Georgia O’Keeffe al Instituto de Arte de Chicago, y lleva la inscripción «Steichen’s first «Masterpiece»» (primera obra maestra de Steichen) en el reverso, escrita por el propio Stieglitz. Steichen y Stieglitz definieron la primera fotografía artística estadounidense, dando forma al campo como ningún otro artista.
Lo más probable es que Edward Steichen capturara esta fascinante imagen en 1901 durante su viaje de formación a París, mientras estaba matriculado en la Académie Julian. Steichen era un joven idealista y ambicioso, con una veneración por lo romántico y una devoción recién cimentada por el medio de la fotografía.
Ejemplificadas por In Memoriam, las exploraciones del pictorialismo de Steichen durante esta época, en particular con los retratos y los desnudos, son algunos de los objetos más hermosos y crudos del artista: su textura palpable y su estado de ánimo a menudo se ven realzados por el uso del bicromato de goma o los procesos múltiples.
Para esta impresión en particular, el fotógrafo ha recubierto la impresión en platino con una capa consistente de cera blanda, goma o resina natural para crear la rica superficie pictórica característica de las obras pictorialistas.
Modernista
Mi Nueva York es la Nueva York de la transición», afirmó Stieglitz en una carta a Hamilton Easter Field en 1920. Lo viejo pasa gradualmente a lo nuevo…». Sus primeras representaciones de la ciudad, que datan de 1902, fueron tomadas desde su ventana y destacan por sus composiciones suaves y pictorialistas.
Las imágenes posteriores, primero de su galería 291, que estuvo abierta de 1905 a 1917, y luego de la galería que le siguió, An American Place, que funcionó de 1929 a 1946, encarnan los principios modernistas que Stieglitz anunciaría más tarde: líneas nítidas y una abstracción casi total de las formas.
Al final de la Primera Guerra Mundial, Edward Steichen era un célebre fotógrafo pictorialista cuyos primeros experimentos con el medio ayudaron a redefinir la fuerza y el atractivo de la fotografía. Fue entonces cuando empezó a adoptar un estilo más modernista.
Las fotografías de mediados de la década de 1910 a principios de la de 1920 -que van desde primeros planos de flores a bodegones abstractos- revelan una afición por la claridad y la linealidad, características que antes estaban ausentes en sus obras anteriores. Los efectos liberadores de la abstracción son evidentes en esta fotografía del Empire State Building tomada un año después de su construcción.
La fotografía fue el resultado de un encargo de Vanity Fair. La nítida elegancia de Steichen había sido un factor definitorio de la visión de la revista desde 1923 (un mandato que duraría hasta 1937), y el editor de Vanity Fair, Frank Crowninshield, lo describía como uno de los «mejores fotógrafos de retratos vivos del mundo».
El reto de fotografiar el Empire State, reconocía el artista, era trasladar la impresionante monumentalidad del edificio a la superficie plana de una fotografía. De forma ingeniosa, Steichen optó por colocar dos negativos separados en un solo fotograma, imprimiendo así a la imagen resultante una poderosa sensación de tridimensionalidad y vitalidad. Concebí el edificio como un mayo y realicé la doble exposición para sugerir el remolino de un baile de mayo», explicó más tarde.
